Předmět, o kterém přemýšlím, možná není úplně vědecký. Můžeme mluvit o duchovním obsahu produktu průmyslového designu? Je reálné zajistit, aby uživatel vnímal rozhraní jako živého tvora a v dialogu s ním prožíval skutečné emoce?
Navrhuji hledat odpověď nejen v sobě, ale také v historii. Proto jsem se rozhodl s vámi podělit o některé věci, které hrály důležitou roli ve vývoji designu a nadále inspirují designéry po celém světě. Včetně mě.
1. Staré tištěné knihy
Typografie je jedním z nejstarších typů výroby rozhraní, které jsou nám docela známé. Tiskárna byla vynalezena přesně tak, aby knihy dostaly zcela dříve nepřístupné obvody a informace a myšlenky v nich obsažené dosáhly maximálního možného počtu lidí. Dopis se tak stal téměř nejstarším příkladem průmyslového designu určeného k šíření informací.
Stále používáme termíny vypůjčené z Gutenbergovy éry. Například velikost písma je výška písmene a podle toho i písmeno, které je s ním vytištěno.
Typografové moderní doby jsou našimi přímými předchůdci v oboru, kteří se dědí nejen podle typu designéry, ale také všemi moderními designéry obecně. S bohatou historií a jasnou kontinuitou, kterou udržují typografové, se od nich stále učíme dodnes. Nehledě na to, že sami působí na dost omezeném poli.
2. Jeskynní malby a reklamní plakáty raného modernismu
Přesně řečeno, jeskynní malby, které sloužily jako komunikační prostředek, byly také vzorem designu. S jinými lidmi nebo duchy – není to tak důležité, za předpokladu, že ani tvůrci, ani pozorovatelé nepochybovali o realitě neviditelných bytostí a sil. Je důležité, aby byly nejstarší obrázky rozloženy na funkční prvky a každý symbol v nich byl navržen tak, aby zprostředkoval zprávu, která je srozumitelná každému (nebo téměř každému) členu kmene.
Malířství se k něčemu podobnému vrátilo v celkem čisté podobě v jednom ze směrů vývoje na přelomu 19. a 20. století. Jedním z prvních oficiálně uznávaných designérů na světě je francouzský umělec Henri de Toulouse-Lautrec. Maloval a maloval pařížské bohémy, včetně kabaretních tanečníků Moulin Rouge, pro své vlastní estetické potěšení. Poté ho vedení klubu pozvalo k reklamě, která se shodovala s rozšířeným používáním sítotisku.
Kritici Toulouse -Lautrecovi se nelíbilo méně, byl to on, kdo přinesl playlill a plakát do říše uznávaného umění. Ale pro designéra jsou jeho práce zajímavé právě pro jejich užitečnost, a co je nejdůležitější, pro jejich původní účel replikace.
3. Architektura školy Bauhaus
V roce 1918 skončila první světová válka, Evropa ležela v troskách a trpěla posttraumatickou stresovou poruchou. Hluboká existenční krize se však stala výchozím bodem pro hledání nových významů, a to i ve výtvarném umění. Ve stejné době se průmyslovému stroji během války podařilo zrychlit na plnou kapacitu a na dalších 15–20 let byl přesměrován na výrobu civilních předmětů.
V roce 1919 byla založena škola Bauhaus, která definovala moderní pojetí designu. Již v počáteční fázi, která trvala do roku 1933 (hádejte proč), vytvořila tato vzdělávací instituce a umělecké sdružení nejen architektonické projekty a dekorativní předměty, ale také se snažila seriózně porozumět jejich tvorbě. Manifest Bauhausu se stal deklarací jejich principů, která obsahovala popis cílů, záměrů a přístupů. Zejména hlásali jednotu formy a funkce, maximální racionalismus, odmítnutí jakékoli výzdoby – vzhled jakékoli věci, ať už budovy, předmětu umění nebo předmětu průmyslového designu, by měl být určen jeho funkčním účelem.
Stejným principům odpovídal i sovětský konstruktivismus. Ale co je nejdůležitější, stále žijeme v paradigmatu formulovaném Bauhausem. Budovy navržené ve 20. letech 20. století by se mohly kvalifikovat pro vítězství v moderních architektonických soutěžích.
4. Poválečná typografie a průmyslový design
Po druhé světové válce byly principy Bauhausu vyvinuty švýcarskou typografickou školou, které vděčíme nejen za písmo Helvetica, ale také za modulární mřížky a téměř celou sadu nástrojů pro návrh rozhraní a tisk. Možná italský designér Massimo Vignelli, autor newyorské navigace metra a loga American Airlines, přivedl stejné nápady na nový vrchol.
V polovině 50. let přišel designér Dieter Rams pracovat do německého průmyslového koncernu Braun, který vytvořil úžasné předměty podle předpisů Bauhausu. Steve Jobs nazval svého učitele Ramsem, a to není překvapující: funkční krása Braunova vývoje v 60. letech byla krokem, včetně estetiky iPhonu.
Navíc to byl Rams, kdo zformuloval 10 principů designu, které by měly být seznámeny nejen pro odborníky.
5. Náboženské umění a rozvracení základů
Sacred art – nejstarší na světě – zpočátku nese myšlenku duchovnosti, která kupodivu neodporuje funkčním principům.
Kanonické malování ikon vycházelo z obrácené perspektivy. To vůbec neznamená, že středověcí umělci nevěděli, že objekty se zmenšují, když se vzdalují od diváka. Odmítli kopírovat realitu, ale malíři ikon diváka záměrně vyprovokovali k dialogu. Podle myšlenky měl cítit, že se na něj dívají i zevnitř ikony – uvědomit si sebe nejen jako subjekt, ale také jako objekt pozorování vyšší bytosti.
Mnoho křesťanských kostelů je postaveno na stejných principech malování ikon. Například katedrála v Rio de Janeiru, vizuálně rozdělena do čtvercových sekcí. Architekt však úseky protahuje, když se vzdalují od diváka, a šikmé stěny efekt ještě umocňují. Pocit nekonečně vysokého prostoru je úžasný a opravdu probouzí pocit spojení s Bohem nebo některými vyššími silami – jak máte nejraději. Nakonec to provokuje farníka a dokonce i turistu k dialogu se sebou samým.
Pokud jde o světštější téma, navrhuji připomenout práci vynikajícího návrháře plakátů Igora Guroviče. Pocit duchovního naplnění dosahuje zcela jiným způsobem – porušuje všechna pravidla, normy, zákony a dogmata, mluví s divákem infantilním, ale fantasticky jasným a intuitivním jazykem. Na rozdíl od plakátů se zdravým rozumem přesto vyřešte zadané úkoly: sociální, komunikační, umělecké.
T. To znamená, že odmítnutí následovat kánon je nesmírně mocný nástroj, který však vyžaduje silné zázemí. Bez hlubokého porozumění svrženým zásadám jej nebude možné použít, proto by neměl být zneužíván.
Místo závěru
Co je hlavním problémem povolání designéra? Myslím si, že musíme zůstat inženýry a umělci současně, navzdory rozporům mezi nimi. Současně se při vytváření designu můžeme cítit jako demiurgové, téměř polobozi. Je však možné vdechnout život předmětu nebo rozhraní, věřit, že je naživu, uvolnit jej do společnosti, kde se může sám rozvíjet?
studenti (představte si: ředitel sám vytváří prostředí v které jeho studenti existují!): „Architektura začíná tam, kde inženýrství končí.“
Paradox – pokud jsou funkce a forma jedna, jak nás učí Bauhausův manifest, nebude fungovat ani oddělení inženýrství a architektury jako umělecké formy? Zdá se mi, že Gropius mluví o duchovní složce. Myslím, že sám se sebou nemůžete mít strach z patosu a zkusit si trochu zacvičit – představte si, jestli dokážeme uživatele oklamat a přesvědčit ho, že náš produkt má duši?
